在艺术史上，自画像一直是一个非常重要而且独特的主题。它不仅是艺术家对自己外貌的一种记录，也是他们内心世界、思想和情感的一次深刻披露。自从文艺复兴时期开始，艺术家们就开始创作自己的肖像，这一传统直到今天仍然延续。

当然，并不是所有时代和文化中都有这种现象。在一些社会里，个人主义并没有得到充分发展，而在那些强调集体利益的地方，人们更倾向于描绘家族或宗族的图腾。这意味着，在某些情况下，不同文化中的自画像可能不会以现代意义上的“selfportrait”形式出现，但它们依然反映了当时社会对个体形象的理解和塑造。

那么，我们如何评价一个自画像是否能够跨越时间？答案并不简单，因为这涉及到多个层面：历史背景、技术手段、审美观念等。首先，从历史角度看，每个时代都有其独特的情境和环境，这些因素会影响人们对自身形象的把握与表现。如果我们将一幅画放在不同的年代里，让不同的人来欣赏，那么他们对于那幅画所蕴含信息量和意义的解读可能会大相径庭。

其次，从技术手段来看，一幅油画比一张摄影更容易随时间而改变。这不是因为油画更加脆弱，而是因为油画更多地反映了创作者的手法技巧以及当时存在的材料限制。而摄影则提供了一种捕捉瞬间真实性的方法，使得人脸表情变得更加细腻多变，对于理解一个人心理状态来说，无疑是个极大的帮助。

再者，从审美观念上说，一切都是相对的话题。每个时代都有其主导审美标准，比如古代中国重视礼仪与道德修养，所以人物肖像往往带有一定的符号化；现代西方则倾向于追求自然主义，因此人物描绘更加注重细节之处。此外，由于我们的认知模式也在不断变化，我们今天看到一幅古老作品的时候很难完全摆脱现代人的视觉习惯去真正地领略其中隐藏的问题意涵。

然而，即便如此，如果我们能暂时放下这些干扰，将眼前的东西视为原始存在，那么许多古老作品依旧能够触动我们的心灵。例如，如今广为人知的大师伦勃朗（Rembrandt）的《夜巡》系列，他用光影的手法精确捕捉了人的轮廓，同时也透露出他的忧郁与孤寂，这些情感虽然出现在17世纪，但却至今仍让人感到共鸣。

此外，有些作品即使无法直接看到原件，其描述内容也足以让后人想象出来，比如梵高（Vincent van Gogh）留给我们的无数笔记，他通过文字描述自己的生活状态，让我们仿佛置身那个时代，与他一起经历风雨。这不就是一种跨越时间空间的情感交流吗？

总结来说，“selfportrait”这一概念确实具有超越时间界限的一面。不论是在哪一个历史阶段，不论使用何种媒介，只要是一名艺术家诚挚地展现自己，那么这样的作品必定能引起后人的共鸣，因为它承载着人类共同的情感需求——被看见，被理解，被记住。在这个过程中，我们可以借助这些工作来探索过去的人类经验，同时也发现现在自己的位置，以及未来的可能性。在这个意义上，可以说，每一次创作都是连接过往与未来的桥梁，是永恒存在的人性纽带。